关于故事的场景结构
在以往影片中宫崎骏的情景设置只为了一个目的达到建构一种作者所想象的美丽空间，大多是森林，例如风之谷中的森林，普拉达的自然景观，龙猫居住的大树和乡村美景等。画面上森林占了很大的比例，色彩上以绿色、蓝色为主，分多层次展开，制造了一种视觉效果，从而激起相应的心灵感应。
《千与千寻》中则大胆地起用了现代都市背景，同时故事的主要部分不再是在森林，而是安排在一个日本古时期的澡堂。虽然说该片在影像技术方面有突破，是首次以全数码制作的动画电影，在画面、色彩、音响上更具细腻感和层次感，但片中的场景不仅仅只是为了达到一个视听上的超越，而是有了较前期更深的用意，一方面借此场景表现日本民族传统文化，本土观念更易回归，另一方面，场景本身有其寓意，千寻在这个场景中成长与洗练，不仅是对人身体的洗礼，更重要的是对人类灵魂的洗礼。
宫崎骏谈《千与千寻》表达的理念
《千与千寻》叙述了千寻的一个生活小片段，讲述她在面对困难时，如何逐渐释放自己的潜能，克服困境。这正是我要我那些小朋友学习的。这故事也令人联想到现实社会中，一个初出茅庐的女孩进入一间大机构做事的情形。面对陌生的环境，冷漠的人事，这女孩要付出相当的努力，发掘内在的潜能，克服种种挑战，方可建立一片立足之地。现实世界里的人事，是如斯复杂！是非黑白，往往很难界定。正如故事里的汤婆婆，看似是个坏人，但背后却也有她辛酸的一面。
编辑本段【电影评价】
关于千寻与小千
“忘了名字就回不去了”——白龙
汤屋在影片中被比喻为充满诱惑、欲望、嫉妒和排挤的现实社会，千寻其实是一个刚刚从象牙塔中走出的女孩，名字在这里其实指的是人最初的价值观。
初到汤屋，“千寻”被改成了“小千”，象征了初入职场人原有的价值、底线会受环境影响改变。
记住名字就是把握住自己最初的原则。
忘了名字就是忘了自己的原则，被环境改变着。
回不去指失去了自我，找不到最初的理想，偏离了航线。
1：影片中的汤屋被比喻成现实社会，虽充满肮脏与混乱，却也能让我们在当中找到生命的真善美。
2：千与千寻是主人公在两个世界的不同名字。喻示着两个不同性格的千寻。现实中，她懒惰，厌学，胆小；在另一个世界中，她坚强，勇敢，激发出无限潜力。
3：影片中的河神形象一直是大家所讨论的话题——为什么河神是那么肮脏，浑身充满垃圾，以至于被误认为腐烂神。而最后却是千这个小女孩净化了他？也许，这正象征着人类对自然的破坏，对江河的污染，而要千寻去净化他，也是说明人类所造成的结果，需要人类自己来解决。
《千与千寻》是日本著名动画大师宫崎骏献给曾经有过10岁和即将进入10岁的观众的一部影片，它以现代的日本社会作为舞台，讲述了10岁的小女孩千寻为了拯救双亲，在神灵世界中经历了友爱、成长、修行的冒险过程后，终于回到了人类世界的故事。
佛教说，入世的生活是物质的、感情的、人群的生活，《千与千寻》正是借由小女孩千寻的经历，在积极探索一条入世的道路。千寻由一个物质世界跌入一个对于她来说全然陌生和充满着困境的神灵的世界，“回归”将是一切努力的终极目标，取胜的魔法只有一句话——“为了他人而做一件事”，不屈的千寻最终发现了自身存在的意义，她于是努力以成长的主题去
实现自己对世界的怀疑与期待。
“在万物重生的早晨，来到静寂无声的窗前，一切归零之后渐渐充实，不再去追寻海的彼岸，耀眼的宝物一直就在这里，在我身上就可以发现。”
宫崎骏没有迪斯尼那么花哨，他甚至有些落伍，直到现在，他还坚持用手工绘画而不是电脑绘图来完成自己的卡通片。但他懂得一部卡通片，或者说是一部电影，用什么去打动别人，这就是人文。所以，宫崎骏笔下的形象是一个个人，而不是一个个没有知觉的卡通。
电影的力量在于动人，卡通的力量在于纯真，宫崎骏掌握了这些力量，他取得了理所当然的胜利。——《新闻晚报》
“这是一个没有武器和超能力打斗的冒险故事，它描述的不是正义和邪恶的斗争，而是在善恶交错的社会里如何生存。学习人类的友爱，发挥人本身的智慧，最终千寻回到了人类社会，但这并非因为她彻底打败了恶势力，而是由于她挖掘出了自身蕴涵的生命力的缘故。现在的日本社会越来越暧昧，好恶难辨，用动画世界里的人物来讲述生活的理由和力量，这就是我制作电影时所考虑的。”——本片导演宫崎骏
《哈利·波特》和《千与千寻》都是很流行的幻想文学作品，都很受欢迎，但从想像力这点来看，前者不如后者。日本漫画家宫崎骏的《千与千寻》非常好，把孩童时期的想像力都发挥出来了。如果比较两部作品，可用搭积木来做比，有一堆各色的积木，《哈利·波特》很好地使用这些积木搭了一座非常好的建筑物，而《千与千寻》的独特之处在于，它创造了另一套积木。——评论人杨鹏
宫崎骏的许多影片被称为“成人童话”是有根据的，他的影片是对社会、人生的一种深远层面的思考，虽然他本人一直保持着对少年题材的特有的偏爱，但也不可避免地从成人视角出发，例如《红猪》是作者自传性的作品，《风之谷》、《天空之城》、《幽灵公主》等都是面对一个生死存亡的话题，都旨在给现实中盲目着破坏平衡的人们一个启示（特别《幽灵公主》MPAA给它分级是PG－13，即不适合13岁以下的观众观看）。宫崎骏也绝不是要将动画变成为成人的专利，《千与千寻》就是他为孩子们所做的一部影片，他从千寻的视角出发去看世界，千寻的想和做，宫崎骏都完全依照儿童的思维进行，这就使小观众们对影片多了一丝认同，少了一丝间离效果。
迁往新家的途中，10岁的小女孩千寻和父母无意中撞入了一座隐藏在山林深处的奇怪小镇，空荡荡的街道边，店铺一家连着一家。在路边的小吃店里，热气腾腾的食物让千寻的父母忍不住大吃起来，然而千寻却注意到这个地方真的是一个人影也看不到，这一切背后一定藏着巨大的秘密！它是什么呢10岁的小女孩千寻又会遭遇怎样的冒险呢？这就是日本动画大师宫崎峻的最新大作《千与千寻的隐秘》要为我们讲述的故事。
源于食物的欲望，父母触犯了规条而被变成了猪———这是宫崎峻一个典型的情节，一个绝妙的黑色幽默。才10岁的女孩千寻被迫在幻境之城的神仙浴场里讨生活，突然面对人生的窘境，千寻根本无法选择，但在艰苦的劳动中，柔弱的千寻发现了那沉睡在她内心的力量，也第一次真正地体会到人与人之间的爱。终于她要出发去解救陷入诅咒的父母和她所爱的人。
有点离奇，有点黑色的幽默，却又充满了厚重的哲理和动人的温情，这就是宫崎峻动画的魅力。
3年前宫崎峻在创作另一部著名的动画大片《幽灵公主》时，就得了严重的手疾，年纪已过半百的他是忍着伤痛完成了那部让人回味深远的动画的，在《幽灵公主》的首映试上，宫崎峻早就宣布从此封笔。可3年之后，这位60多岁的老人终于还是忍不住重出江湖。而且一出手就是这部制作极其精良的动画巨作———《千与千寻》，它不仅在今年2月拿下柏林金熊奖，更在日本国内突破了《泰坦尼克号》创下的票房纪录。这是不是让人不可思议？ 原只是为了孩子创作的此片，《千与千寻》却让更多的大人醒悟到已经失去的纯真与热情。
和宫崎峻过去的作品一样，这部《千与千寻》保持了他一贯的画风，水彩画出的风景透着灵气和清新，精细的建筑描绘中又藏着天马行空般的想象力，线条简单的卡通形象又不失单纯与可爱，这些都让你很容易就分辨出宫崎峻特有的风格。
当你走进宫崎峻的世界，你仿佛远离了世俗的人生，这里一草一木，一人一物都被赋予了灵性：可爱好玩的运煤蚂蚁、有八只脚的锅炉老头、外表冷峻内心热烈的小白、横蛮的女巫汤婆婆和她那胖得无法移动的宝贝儿子、脆弱可笑的无脸人，甚至那巨大的神仙浴场也像是一个有着生命的巨虫，还有那被大海包围的车站又通向何方？
然而这也是一个现实的世界，这里上演着所有人生的悲喜剧。它不是简单的教化，不是简单的善与恶的对决，所有的故事、冲突的都源于人的内心，是对自我的艰苦寻找。
本人意见：千寻里没有好人与坏人之分，每个人都只是有着沧桑的过去的平凡人，而千寻就因他记住了最初的自己而变的不平凡，人性的光辉在影片中得到充分显示
《功夫熊猫》的故事发生在很久以前的古代中国，而且要从一只喜欢滚来滚去、滚来滚去的大熊猫身上说起……熊猫阿宝是鸭子父亲一直以来的期望，这个血液里都流淌着面条的家族，自从祖先从一头猪手里赢来了面馆后，就靠它发家致富。然而阿宝好吃懒做，不理会父亲苦心。一天小镇举行比武，为求选出龙战士学习秘笈来对抗残豹，阿宝鬼使神差成为了龙战士，得到龟仙人带领，前去跟浣熊师傅学艺。
然而“和平谷”的五位功夫大师对种戏剧性的结果持各种不同的态度:一身正气、勇敢无畏老虎大师将功夫熊猫看成了一个名副其实的笑话；友好、顽皮却很热心肠的猴子大师则是一副看好戏的有趣神情；仙鹤大师是五人中最具“母性”的那一位，他很同情功夫熊猫；自负的毒蛇大师虽然给人的感觉稍显轻浮，但对这件事的态度就有如她善变的性格，不太明朗；螳螂大师算是几位高手中最聪明的一个，他对功夫熊猫的现状很是无奈，总是暗中帮忙……最后，要将功夫熊猫调教成“功夫高手”的一代宗师“师父”华丽丽地出场了，然而有着一身好功夫并不意味着就是完美的，“师父”因为过去犯下的一个错误，到现在都纠结着没办法释然。目前他的任务，就是将那个软弱、除了做面条什么都不会的功夫熊猫训练成一个拥有着足够的武术技巧、可以打败强大敌人的顶级战士。至于那个让人人都如临大敌的大龙，则是一只非常自恋的雪豹，他等待复仇的这一天，已经整整等了20年了，可是他做梦也没想到，自己等来的竟然是一只功夫熊猫。
定格动画之巅《圣诞夜惊魂》影片赏析
称《圣诞夜惊魂》为定格动画之巅一点也不为过，这部诞生于1993年的经典之作，直到现在也没有一部同类型的影片可以超越他。哥特派大师Tim Burton成功的诠释了这部怪诞、有趣的动画片。
《圣诞夜惊魂》带有了Tim Burton一贯的哥特式叙事风格：古怪幽默，略带恐怖色彩，百老汇歌剧式的唱腔，配合着阴沉的画面讲述着不为人知的故事。人物的造型设计是本片一大亮点，Jack的骷髅头形象风靡全球。夸张、诡异的造型设计奠定了本片的设计风格。灵感来源于Tim Burton看到一个商店的橱窗里用万圣节商品换成圣
诞节商品来卖。《圣诞夜惊魂》里的人物造型很有特点，其代表人物有：Jack，像蜘蛛一样细长的身体，圆圆的骷髅头，穿着条纹燕尾服。Zero，Jack的宠物，透明状的幽灵，鼻子可以发光。FinKlestein博士，坐着轮椅，嘴巴像鸭子般张合，头盖可以打开露出里面的大脑。Sally，FinKlestein博士制造出来的用线缝起来的人偶，穿着破布缝制的衣服，走路的时候身体重心不平衡般向后倾斜。The Mayor of Halloween Town，身穿礼服，一副绅士派头却是个两面派，脑袋可以旋转-轻松的选择表情，戴着长长的帽子，领结是一只蜘蛛。Lock，Shock&Barrel，万圣节城最优秀的恶作剧高手，是三个即调皮又可爱的角色。OogieBoogie，由虫子组成，很阴险的一个角色。The Vampire Brothers，吸血鬼兄弟，每个手里都拿着一把伞，披着斗篷。还有Igor- FinKlestein博士的助手，Hanging Tree-吊着骷髅的树，Clown-大门钥匙的掌管人，Corpse Kid-万圣节城里的小孩等等……其中
Behemoth这个角色是以瑞典籍摔跤运动员、B级片明星Tor Johnson为原型的。
新技术的应用为整部片子增色不少。《圣诞夜惊魂》中的模型是用机械骨架制造而成的。专门为角色量身定做的机械骨架，做出的动作即精确、流畅又不至于变形。配合着可以电脑操控的摄像机简直是天生的组合，逐帧拍摄的魅力被完美的诠释。
《圣诞夜惊魂》在细节的处理上堪称经典。为求真实，光是主角Jack的头部模型就有400多个。布景和人物细微的纹理依稀可见，细节使整部片子充满生活化，比如根据人物的不同性格设计的不同睡
帽、眼罩；道路上的叶子和随处可见的南瓜；Jack的家门设计-门铃是尖叫声，门铃按钮是蜘蛛，门把手是眼睛；博士的实验室；在圣诞节城时对雪的刻画等等。
因为是逐帧拍摄的动画片，《圣诞夜惊魂》的转场也充满了不同的魅力。比如，用蝙蝠、幽灵飞过转场。用礼物盒子转场：前一个镜头-圣诞节城的小精灵把可爱的礼物放入礼物盒，盖好盒盖，下一个镜头，盒盖打开，万圣节城的怪物把可怕的礼物放了进去，强烈的对比预示着Jack圣诞节计划的失败。
为了制作特效，《圣诞夜惊魂》也用到了一些二维动画，比如：墓碑上的影子、万圣节城里的幽灵、雾气、闪电、火、雪花等等。
音乐是《圣诞夜惊魂》的灵魂，画面配合着音乐演奏出完美的乐章，从嘴形到动作和音乐都配合的天衣无缝，节奏感十足。
《圣诞夜惊魂》的场景设计和整体的设计风格搭配和谐，恐怖怪异，不过无论整体多么黑暗，总还是会出现一两处十分明亮的场景，像圣诞节城，设计得色彩鲜艳、明亮。《圣诞夜惊魂》的场景是由不同的小块组合而成的一个大场景。这样即有利于拆卸进行小场景的拍摄，又好制作。
动作设计是《圣诞夜惊魂》的一大亮点，不同的人物造型都设计了各自不同的运动特征。Jack的动作像一只蜘蛛，Jack和OogieBoogie打斗的一场戏中，Jack就像蜘蛛一样躲避障碍最终获得胜利。Sally的动作像一个失去平衡的木偶，在Sally给Jack送酒的一段戏中，Sally失去平衡般走下台阶的动作让人记忆深刻。The
Mayor of Halloween Town的动作像不倒翁 。The Vampire Brother的动作很优雅。而OogieBoogie的动作像熊一样笨重。
《圣诞夜惊魂》的灯光设计也很精彩，片中用了大量的逆光来表现万圣节城，逆光是一种很不好把握的灯光效果，但Tim Burton却把它利用得很好，充分的表现了万圣节城的阴森和恐怖，和圣诞节城形成鲜明的对比。对比是一种矛盾的升华。能更好的表现戏剧化的效果。《圣诞夜惊魂》中用的最精彩的是在圣诞夜前夕，圣诞节城和万圣节城都在为圣诞节做着准备，强烈的颜色对比、音乐对比等手法都暗喻了Jack计划的失败。
《圣诞夜惊魂》的情节设计紧凑，歌舞和叙事部分衔接自然，用唱歌的形式体现人物内心活动是Tim Burton一贯的风格。《圣诞夜惊魂》很好的延续了这种风格。怪异的曲风贯穿全片。精彩至极。《圣诞夜惊魂》在镜头的运用上，呈现出经典恐怖片的氛围和幻想童话相结合的古怪风格，完美的演绎了Tim Burton对影片独特的构思。
《圣诞夜惊魂》一举奠定了Tim Burton世界一流影象美术设计大师的地位。由于他一贯坚持的黑色风格，以及叛逆的叙事主题，Tim Burton为自己赢得了“好莱坞鬼才”的名声和威尼斯电影节 “终身成就奖”， 49岁的Tim Burton是电影史上获得此奖项最年轻的得奖者。 《圣诞夜惊魂》是Tim Burton梦想的一部分。影片的最终成功使《圣诞夜惊魂》成为了世界动画史上的一个传奇，无论是在技术还是艺术领域，都反复地被人们所称赞。在《圣诞夜惊魂》中，黑色幽默的风格贯穿始终，惊悚与喜剧是它的生命与灵魂。电影至今依
然风靡全球。《圣诞夜惊魂》是Tim Burton最喜欢的作品之一，以至于他在威尼斯电影节获奖当晚，大会亦借放映这套《3D怪诞城之夜》向他的作品致敬，足见《圣诞夜惊魂》在Tim Burton心中的地位。
白雪公主的名字，地球人都知道。可是白雪公主与七个小矮人的故事，却不是每一个人都了解的，而我恰好属于不了解的那一群人。借着看AFI100系列的机会，看看这个经典的故事内容是如何的，以及它是如何通过电影演绎的。
电影的故事是这样的。从前，有一个美丽的公主，她叫白雪。她邪恶的皇后继母害怕白雪公主越长越漂亮，于是就让她每天干粗活、穿破衣服，并且每天问上魔镜一句“谁是世上最漂亮的女人”。虽然如此，可是白雪公主越来越漂亮，魔镜诚实的告诉了皇后，皇后因此决定派人杀死白雪公主。皇后派的人不忍心下手，饶了白雪公主一命，可是白雪公主却吓得逃进了树林里。在树林里，她与动物们成为了伙伴，并在它们的带领下找到了一座小屋。白雪公主发现屋子既脏又乱，决定帮忙收拾一下，希望能让屋子的主人收留自己。于是，白雪公主与动物们将屋子内收拾的一尘不染，并做好了晚饭，然后就累得睡着了。这时，屋子的主人回来了，原来他们是七个小矮人。小矮人们看到屋子里有人，以为是坏人，他们手忙脚乱般的行动起来，准备揭露“坏人”的真相。当小矮人们发现“坏人”是白雪公主时，就放下了戒心，并因为她会做饭，收留了她，即使有一个“爱生气”的小矮人不情愿。七个小矮人在白雪公主的要求下，洗手、晚餐后，又同她玩闹了一番，大家就纷纷休息了。同时，邪恶的皇后得知白雪公主还活着，决定自己亲自杀死她。她使用易容术让自己成为了一个长相丑陋的老太婆，并制作出一颗毒苹果。任何人只要吃上一口毒苹果，就会长眠不醒，只有“真爱之吻”才能唤醒她。第二天，七个小矮人工作去了，皇后来到小屋内，很轻松的就让白雪公主吃了毒苹果。虽然在动物们的指引下，七个小矮人回到了小屋，但他们还是回来晚了，白雪公主已经长眠不醒了。愤怒的七个小矮人追逐着皇后，将她逼下了悬崖而摔死。七个小矮人认为白雪公主死了，但他们并没有埋葬她，而是用水晶棺材将她装了起来。这时，一位与白雪公主有一面之缘，并且爱她的王子得知了消息，赶了过来。他用“真爱之吻”唤醒了白雪公主。醒后的白雪公主与七个小矮人告别后，从此幸福快乐的生活着。
这是一部非常完美的动画片。白雪公主与七个小矮人的故事以前我并不了解，而且我也很少看童话，但通过本片让我真正了解了童话的魅力。片中的人物塑造有着典型的童话特征：每天唱歌开开心心的公主，一心只求美丽的邪恶皇后，热心、善良的小动物们，以及那七个性格迥异但都很可爱的七个小矮人。这些人物每一个都被赋予了单一的性格特征，非常脸谱化，好人即好人，坏人即坏人。这样的人物塑造理解起来太轻松了，终于可以放下一颗沉重的心来看电影，再也不需要去猜测人物复杂多变的性格，以及背后赋予的隐藏个性了。此外，故事的情节也简单得不行，好人做好事，坏人做坏事。白雪公主唱歌、做家务、等待自己心爱的人，七个小矮人辛苦工作善待公主，邪恶的皇后则一心想要杀死白雪公主，如龙套一般的王子则是为了拯救公主适时出现，献出“真爱之吻”一枚。看完这样的情节，同样有一种如释重负的感觉，这么直白、简单的剧情，理解起来可比刚刚看过的《蝙蝠侠2：黑暗骑士》轻松多了。这就是童话的魅力，简单的人物、简单的剧情，展示出一个美好的世界。看完之后只有一种感觉：这是多么美满的故事，多么美好的爱情啊！
虽说剧情简单，但本片也是一部相当好看的好莱坞爱情大片。一部好莱坞爱情电影该有的元素一样也不少，有公主与王子的浪漫爱情，有七个小矮人初遇白雪公主时戏剧化的剧情，有皇后邪恶的阴谋，还有
正义终将战胜邪恶的结尾，和载歌载舞的音乐场景。当然，还有着全片最重要的点睛之笔——那浪漫的“真爱之吻”。本片将爱情的力量塑造成可以拯救人生命，这样的设定，在爱情电影里只出现过仅此一次吧。
本片完美之处还在于电影中那些眼花缭乱、笑点十足的画面。白雪公主与动物们的互动，包括打扫小屋的房间，以及七个小矮人之间各个性格迥异行为的塑造，都堪称动画片里的经典画面。难以想象在上个世纪三十年代编导们就能有如此丰富的想象力，设计出如小鸟拧干衣服、松鼠尾巴当扫帚等情节，以及那只笨拙的小乌龟各种笨笨的行为。这些奇思妙想即使在现代的动画片里也不多见。本片不仅以美国第一部动画长片屹立与影史，更是树立了后人难以超越的经典。
除了这些笑点十足的画面外，电影中画面的变化也通过剧情的转变而实时变化。在白雪公主出现的场景，总是阳光明媚、欢歌笑语。当邪恶的皇后出现时，画面立即转变为阴森恐怖的氛围，比如阴森的房间、恐怖的古堡等等。更用一些黑色的事物来增加这种气氛，如骷髅头、黑乌鸦、秃鹫等等。这样的表现方法是对剧情的一种补充，而且增添了电影的故事氛围，使观众、尤其是小观众更加容易理解剧情。这一点的使用促使本片更加完美。此外，这样的表现方式比起在同时代真人电影中的运用更加灵活，看来它已经走在了时代的前列。
最后来说说本片的歌曲。相对于现代动画片来说，本片的歌曲过于古典，有一种歌剧的感觉，尤其是男女主角在片中竟然运用起美声唱法。这样的风格，让本片的音乐落后于时代。不过，七个小矮人的一些歌曲还是很好听的，很有动感。总的来说，本片的音乐我是不喜欢的，毕竟年代太久远了。
说了这么多，总的来说，这是一部超越时代的经典动画片，任何年代看都给人带来愉悦的感觉，本片还能让成年观众找回丧失已久的童心。如果有人说这部动画片不好看，只能证明你的心已经死了，只是一具行尸走肉。
幽蓝深邃的海洋，橙红色的海葵宛如海底盛开的花朵，蓝色水底眼前远处游来过往的是色彩绚烂，美丽异常的海洋生物。一条绯红带着白色条纹的小丑鱼 (ClownFish)马林(Marlin)和蓝色的蓝唐王鱼(Regal Blue Tang)多瑞(Dory)穿越万里海域，去寻找马林失散的儿子尼莫(Nemo)。而我们在这个观影过程中的感受到的欣喜和明朗，绚烂和绮丽，温暖和感动，一直犹如电影中临近悉尼海湾的潜流，快乐地被瞬间卷入，那样身不由己。
电影看得多了，在他人的故事里想自己的心情，动作、言情、历史、喜剧、魔幻、惊悚，很多时候有瞬间的触动回首，很快又回归生命琐碎的状态。在这个时代，制作让大多数人喜乐无限的电影并非一件易事。而皮克斯出品的每一部影片，至少对于我而言，都好象触动了人心最柔软的一个部分，缤纷的色彩下蕴藏最原始宽广的内核。看《海底总动员》，不需要准备任何东西，让这片蔚蓝的海洋濯洗我们发现童真的双眼，带着一颗晶亮的童心上路。
每一次皮克斯推出新的动画电影，都是动画电影业界的一件大事。很多影评人都会不自觉的把新片与皮克斯以往的影片相比较(累计有《玩具总动员1、2》、《虫虫危机》和《怪物公司》)，而皮克斯在制作上始终如一的精良水准，使得它成为三维动画影片的新标杆。《海底总动员》没有上映之前，有不少影评人对这个不算新颖的万里寻亲的主题能否达到以往4部动画片的成就有所质疑。实际上这样的担心是没有必要的，随着海洋蓝色伸展的旅程中，影片里仿佛要溢出银幕外的彩虹般绚丽的色彩、栩栩如生的游弋海中的每一个细小美丽的生命，都是皮克斯利用最先进的CG技术呈现给孩子们的一个无垠的想象空间和温馨的心灵家园。看看皮克斯以往的作品，在主题和构思上并不以新奇花巧见长，不管是《玩具总动员1、 2》和《怪物公司》的两重世界，还是《虫虫危机》的动物寓言，其实传承都是迪斯尼永恒的真善美主题。
《海底总动员》在主题上是一个关于爱和友谊，勇气和成长，自由和选择的故事，结构上采用的也是常见的双线并行的方式：一边是父亲马林的万里寻亲，一边是儿子尼莫的成长；但是皮克斯把这个故事注入了想象力之魂，那些天马行空般牵引人们想象力在无垠水域里飞舞的画面，使得我们这样的成年观众也在孩子们欢乐的笑声中擦亮了童心，由衷的沉浸在完美的画面和真挚的人性主题水乳交融的和谐之中。
没有机会在影院里看到片中无数个斑斓夺目的画面，将会是一个极大的损失。我只想对本片的编导，皮克斯的灵魂人物之一，安德鲁·斯坦顿表达极大的尊敬，因为他真正了解孩子们想要看什么(另外忍不住八卦一下，如果有幸看到原版电影，会发现里面那个温和的大海龟正是这位导演配音的，从里面不难听出他本人也是个充满童心的人，当然这个只是胡乱猜测)。选择海洋作为故事的背景，既表现出皮克斯极端的自信，也使得影片拓宽了角色和影像的空间。海洋提供了更为丰富的素材，使得皮克斯进一步挑战他们的创造和制作极限：海洋中不计其数的生物，灿烂丰富的色彩，千姿百态的生命，这些曾经无数次出现在孩子们幻想中的世界，如今都一一呈现在了银幕上，不能不说是皮克斯送给孩子们的最佳暑期礼物。
由于精心设计的数十种形态各异的海洋生物和大海天然的色彩优势，影片中漂亮得让人窒息的画面层出不穷：晶蓝海洋中满是红色鱼卵的小丑鱼的家，柔软的海葵触角犹如花瓣一样在海水中轻轻舞动，海洋学校明丽的色彩，整个海洋都暗下来的时候马林和多瑞凝望着那一枚散发星月光辉的椭圆形亮球，海流中浩大的海龟群，色彩的变化多姿让词汇匮乏的我无法做出最贴切的形容。整部片中我认为最能集中体现影画上的瑰丽奇观的，是马林和多瑞陷入水母群，数十个半透明粉红色的水母飘浮在海洋之中，那种视觉上的愉悦感，即使是成年观众也好似在经历一场梦幻般的体验。
另外细节上的精益求精向来是皮克斯的典型风格，物理仿真技术带来的质体的真实感惊人，比如马林和多瑞被从海洋里抛到岸边，鱼体的皮肤在水渐渐干涸后呈现了不同的质感，又比如若你仔细留意，会发现海水的清澈和颜色，在不同的地域也有微小的差异。所以看完了这部电影，美国影评人纷纷感叹，不知道动画CG领域有什么是皮克斯想做而做不到的。甚至有一位影评人调侃的说，我目前最迫切想要实现的愿望，就是皮克斯在以后的25年之内，不要解雇或者新增任何员工。言外之意，目前这个皮克斯团队，奉献的正是纯正的梦想中的动画影片，实现了我们能够想象到的所有元素。
这种赞誉，并不仅仅针对完美的技术和画面，故事和画面向来是宛如左右手密不可分。影片的主干实际是一个父子间的故事，其中并没有真正的英雄，父子在各自对对方的思念和找寻中渐渐让爱战胜了恐惧和怯懦，心理层次上的细腻但并不深奥的展开，使得各个角色有了各自的光彩。编导在角色上的考虑和设置显然有自己独特的用心，小丑鱼父亲马林因为经历了鲨鱼吞噬所有其他孩子和母亲的劫难而对唯一存活的儿子尼莫看管得愈加小心谨慎，他整日胆战心惊甚至失去了小丑鱼著名的幽默感，心灵上是不自由的；儿子尼莫被悉尼海湾一个凶恶的牙医抓走，失去了宽广海洋里自由呼吸的空气；与马林偶然相遇的雌性蓝唐王鱼多瑞是一条健忘的鱼，往往后一分钟就忘记了前一分钟听到的名字，说过的话，精神上因为遗忘无法得到完全的自由。但是他们在影片的末尾，经历了找寻的整个过程后，那些在不同程度上失落的自由，都在纯净的大海中被一点一滴的拾起。相信每一个观众在听到多瑞对马林说 “我知道我总是忘记事情和认识的人，但是面对你，我觉得找到了家”的时候，没有人觉得煽情，相反我们得偿所愿的对着银幕流下百感交集的眼泪。
提到故事的温暖动人，角色的光彩功不可没。健忘的鱼多瑞是影片最为成功的一个形象，如果在看片的时候不能听到原声配音，绝对无法体会这个角色的鲜活灵动。提到这个为多瑞配音的艾伦·德杰尼勒斯(Ellen DeGeneres)，虽不是人们在电影中常见的熟面孔，却也是好莱坞的风头人物，有自己的脱口秀节目，曾经是安妮·海契(《六天七夜》女主角)的同性恋人。虽然没有看过她演的电影，但是在这部电影里多瑞的声音表现，可以充分感到她对声音的出色控制，对于多瑞精神上的迷糊和性格上的大度，有异常准确
的把握，尤其和鲸鱼打招呼和结尾处对于马林流露友情的对白，表演声情并茂。如果内地真的打算引进这部影片，我只能为担任这一角色配音的演员表达有限的期许。
《海底总动员》是一部值得看第二次的电影，我们在片中发现的精彩细节使得再次品味影片有了必要。对于吸引孩子的动画影片，提供埋伏在电影各处的令人惊喜的细节，就好比孩子们在后花园不停发现的小小宝藏，闪烁着编导创造力的火花。那条深埋海底叫做“阴沉的美人鱼”的沉船，讲法语的蜗牛，声称受不了水的鱼，嘲笑马林的排成不同形状的银色鱼群，插在船帆上的海鸥黄色的喙，在下水管道上来回打架的螃蟹，操着澳大利亚口音的海鸥和鹈鹕，此类妙趣横生的小幽默比比皆是，无不体现编导在细节上的用心。
关于故事的场景结构
在以往影片中宫崎骏的情景设置只为了一个目的达到建构一种作者所想象的美丽空间，大多是森林，例如风之谷中的森林，普拉达的自然景观，龙猫居住的大树和乡村美景等。画面上森林占了很大的比例，色彩上以绿色、蓝色为主，分多层次展开，制造了一种视觉效果，从而激起相应的心灵感应。
《千与千寻》中则大胆地起用了现代都市背景，同时故事的主要部分不再是在森林，而是安排在一个日本古时期的澡堂。虽然说该片在影像技术方面有突破，是首次以全数码制作的动画电影，在画面、色彩、音响上更具细腻感和层次感，但片中的场景不仅仅只是为了达到一个视听上的超越，而是有了较前期更深的用意，一方面借此场景表现日本民族传统文化，本土观念更易回归，另一方面，场景本身有其寓意，千寻在这个场景中成长与洗练，不仅是对人身体的洗礼，更重要的是对人类灵魂的洗礼。
宫崎骏谈《千与千寻》表达的理念
《千与千寻》叙述了千寻的一个生活小片段，讲述她在面对困难时，如何逐渐释放自己的潜能，克服困境。这正是我要我那些小朋友学习的。这故事也令人联想到现实社会中，一个初出茅庐的女孩进入一间大机构做事的情形。面对陌生的环境，冷漠的人事，这女孩要付出相当的努力，发掘内在的潜能，克服种种挑战，方可建立一片立足之地。现实世界里的人事，是如斯复杂！是非黑白，往往很难界定。正如故事里的汤婆婆，看似是个坏人，但背后却也有她辛酸的一面。
编辑本段【电影评价】
关于千寻与小千
“忘了名字就回不去了”——白龙
汤屋在影片中被比喻为充满诱惑、欲望、嫉妒和排挤的现实社会，千寻其实是一个刚刚从象牙塔中走出的女孩，名字在这里其实指的是人最初的价值观。
初到汤屋，“千寻”被改成了“小千”，象征了初入职场人原有的价值、底线会受环境影响改变。
记住名字就是把握住自己最初的原则。
忘了名字就是忘了自己的原则，被环境改变着。
回不去指失去了自我，找不到最初的理想，偏离了航线。
1：影片中的汤屋被比喻成现实社会，虽充满肮脏与混乱，却也能让我们在当中找到生命的真善美。
2：千与千寻是主人公在两个世界的不同名字。喻示着两个不同性格的千寻。现实中，她懒惰，厌学，胆小；在另一个世界中，她坚强，勇敢，激发出无限潜力。
3：影片中的河神形象一直是大家所讨论的话题——为什么河神是那么肮脏，浑身充满垃圾，以至于被误认为腐烂神。而最后却是千这个小女孩净化了他？也许，这正象征着人类对自然的破坏，对江河的污染，而要千寻去净化他，也是说明人类所造成的结果，需要人类自己来解决。
《千与千寻》是日本著名动画大师宫崎骏献给曾经有过10岁和即将进入10岁的观众的一部影片，它以现代的日本社会作为舞台，讲述了10岁的小女孩千寻为了拯救双亲，在神灵世界中经历了友爱、成长、修行的冒险过程后，终于回到了人类世界的故事。
佛教说，入世的生活是物质的、感情的、人群的生活，《千与千寻》正是借由小女孩千寻的经历，在积极探索一条入世的道路。千寻由一个物质世界跌入一个对于她来说全然陌生和充满着困境的神灵的世界，“回归”将是一切努力的终极目标，取胜的魔法只有一句话——“为了他人而做一件事”，不屈的千寻最终发现了自身存在的意义，她于是努力以成长的主题去
实现自己对世界的怀疑与期待。
“在万物重生的早晨，来到静寂无声的窗前，一切归零之后渐渐充实，不再去追寻海的彼岸，耀眼的宝物一直就在这里，在我身上就可以发现。”
宫崎骏没有迪斯尼那么花哨，他甚至有些落伍，直到现在，他还坚持用手工绘画而不是电脑绘图来完成自己的卡通片。但他懂得一部卡通片，或者说是一部电影，用什么去打动别人，这就是人文。所以，宫崎骏笔下的形象是一个个人，而不是一个个没有知觉的卡通。
电影的力量在于动人，卡通的力量在于纯真，宫崎骏掌握了这些力量，他取得了理所当然的胜利。——《新闻晚报》
“这是一个没有武器和超能力打斗的冒险故事，它描述的不是正义和邪恶的斗争，而是在善恶交错的社会里如何生存。学习人类的友爱，发挥人本身的智慧，最终千寻回到了人类社会，但这并非因为她彻底打败了恶势力，而是由于她挖掘出了自身蕴涵的生命力的缘故。现在的日本社会越来越暧昧，好恶难辨，用动画世界里的人物来讲述生活的理由和力量，这就是我制作电影时所考虑的。”——本片导演宫崎骏
《哈利·波特》和《千与千寻》都是很流行的幻想文学作品，都很受欢迎，但从想像力这点来看，前者不如后者。日本漫画家宫崎骏的《千与千寻》非常好，把孩童时期的想像力都发挥出来了。如果比较两部作品，可用搭积木来做比，有一堆各色的积木，《哈利·波特》很好地使用这些积木搭了一座非常好的建筑物，而《千与千寻》的独特之处在于，它创造了另一套积木。——评论人杨鹏
宫崎骏的许多影片被称为“成人童话”是有根据的，他的影片是对社会、人生的一种深远层面的思考，虽然他本人一直保持着对少年题材的特有的偏爱，但也不可避免地从成人视角出发，例如《红猪》是作者自传性的作品，《风之谷》、《天空之城》、《幽灵公主》等都是面对一个生死存亡的话题，都旨在给现实中盲目着破坏平衡的人们一个启示（特别《幽灵公主》MPAA给它分级是PG－13，即不适合13岁以下的观众观看）。宫崎骏也绝不是要将动画变成为成人的专利，《千与千寻》就是他为孩子们所做的一部影片，他从千寻的视角出发去看世界，千寻的想和做，宫崎骏都完全依照儿童的思维进行，这就使小观众们对影片多了一丝认同，少了一丝间离效果。
迁往新家的途中，10岁的小女孩千寻和父母无意中撞入了一座隐藏在山林深处的奇怪小镇，空荡荡的街道边，店铺一家连着一家。在路边的小吃店里，热气腾腾的食物让千寻的父母忍不住大吃起来，然而千寻却注意到这个地方真的是一个人影也看不到，这一切背后一定藏着巨大的秘密！它是什么呢10岁的小女孩千寻又会遭遇怎样的冒险呢？这就是日本动画大师宫崎峻的最新大作《千与千寻的隐秘》要为我们讲述的故事。
源于食物的欲望，父母触犯了规条而被变成了猪———这是宫崎峻一个典型的情节，一个绝妙的黑色幽默。才10岁的女孩千寻被迫在幻境之城的神仙浴场里讨生活，突然面对人生的窘境，千寻根本无法选择，但在艰苦的劳动中，柔弱的千寻发现了那沉睡在她内心的力量，也第一次真正地体会到人与人之间的爱。终于她要出发去解救陷入诅咒的父母和她所爱的人。
有点离奇，有点黑色的幽默，却又充满了厚重的哲理和动人的温情，这就是宫崎峻动画的魅力。
3年前宫崎峻在创作另一部著名的动画大片《幽灵公主》时，就得了严重的手疾，年纪已过半百的他是忍着伤痛完成了那部让人回味深远的动画的，在《幽灵公主》的首映试上，宫崎峻早就宣布从此封笔。可3年之后，这位60多岁的老人终于还是忍不住重出江湖。而且一出手就是这部制作极其精良的动画巨作———《千与千寻》，它不仅在今年2月拿下柏林金熊奖，更在日本国内突破了《泰坦尼克号》创下的票房纪录。这是不是让人不可思议？ 原只是为了孩子创作的此片，《千与千寻》却让更多的大人醒悟到已经失去的纯真与热情。
和宫崎峻过去的作品一样，这部《千与千寻》保持了他一贯的画风，水彩画出的风景透着灵气和清新，精细的建筑描绘中又藏着天马行空般的想象力，线条简单的卡通形象又不失单纯与可爱，这些都让你很容易就分辨出宫崎峻特有的风格。
当你走进宫崎峻的世界，你仿佛远离了世俗的人生，这里一草一木，一人一物都被赋予了灵性：可爱好玩的运煤蚂蚁、有八只脚的锅炉老头、外表冷峻内心热烈的小白、横蛮的女巫汤婆婆和她那胖得无法移动的宝贝儿子、脆弱可笑的无脸人，甚至那巨大的神仙浴场也像是一个有着生命的巨虫，还有那被大海包围的车站又通向何方？
然而这也是一个现实的世界，这里上演着所有人生的悲喜剧。它不是简单的教化，不是简单的善与恶的对决，所有的故事、冲突的都源于人的内心，是对自我的艰苦寻找。
本人意见：千寻里没有好人与坏人之分，每个人都只是有着沧桑的过去的平凡人，而千寻就因他记住了最初的自己而变的不平凡，人性的光辉在影片中得到充分显示
《功夫熊猫》的故事发生在很久以前的古代中国，而且要从一只喜欢滚来滚去、滚来滚去的大熊猫身上说起……熊猫阿宝是鸭子父亲一直以来的期望，这个血液里都流淌着面条的家族，自从祖先从一头猪手里赢来了面馆后，就靠它发家致富。然而阿宝好吃懒做，不理会父亲苦心。一天小镇举行比武，为求选出龙战士学习秘笈来对抗残豹，阿宝鬼使神差成为了龙战士，得到龟仙人带领，前去跟浣熊师傅学艺。
然而“和平谷”的五位功夫大师对种戏剧性的结果持各种不同的态度:一身正气、勇敢无畏老虎大师将功夫熊猫看成了一个名副其实的笑话；友好、顽皮却很热心肠的猴子大师则是一副看好戏的有趣神情；仙鹤大师是五人中最具“母性”的那一位，他很同情功夫熊猫；自负的毒蛇大师虽然给人的感觉稍显轻浮，但对这件事的态度就有如她善变的性格，不太明朗；螳螂大师算是几位高手中最聪明的一个，他对功夫熊猫的现状很是无奈，总是暗中帮忙……最后，要将功夫熊猫调教成“功夫高手”的一代宗师“师父”华丽丽地出场了，然而有着一身好功夫并不意味着就是完美的，“师父”因为过去犯下的一个错误，到现在都纠结着没办法释然。目前他的任务，就是将那个软弱、除了做面条什么都不会的功夫熊猫训练成一个拥有着足够的武术技巧、可以打败强大敌人的顶级战士。至于那个让人人都如临大敌的大龙，则是一只非常自恋的雪豹，他等待复仇的这一天，已经整整等了20年了，可是他做梦也没想到，自己等来的竟然是一只功夫熊猫。
定格动画之巅《圣诞夜惊魂》影片赏析
称《圣诞夜惊魂》为定格动画之巅一点也不为过，这部诞生于1993年的经典之作，直到现在也没有一部同类型的影片可以超越他。哥特派大师Tim Burton成功的诠释了这部怪诞、有趣的动画片。
《圣诞夜惊魂》带有了Tim Burton一贯的哥特式叙事风格：古怪幽默，略带恐怖色彩，百老汇歌剧式的唱腔，配合着阴沉的画面讲述着不为人知的故事。人物的造型设计是本片一大亮点，Jack的骷髅头形象风靡全球。夸张、诡异的造型设计奠定了本片的设计风格。灵感来源于Tim Burton看到一个商店的橱窗里用万圣节商品换成圣
诞节商品来卖。《圣诞夜惊魂》里的人物造型很有特点，其代表人物有：Jack，像蜘蛛一样细长的身体，圆圆的骷髅头，穿着条纹燕尾服。Zero，Jack的宠物，透明状的幽灵，鼻子可以发光。FinKlestein博士，坐着轮椅，嘴巴像鸭子般张合，头盖可以打开露出里面的大脑。Sally，FinKlestein博士制造出来的用线缝起来的人偶，穿着破布缝制的衣服，走路的时候身体重心不平衡般向后倾斜。The Mayor of Halloween Town，身穿礼服，一副绅士派头却是个两面派，脑袋可以旋转-轻松的选择表情，戴着长长的帽子，领结是一只蜘蛛。Lock，Shock&Barrel，万圣节城最优秀的恶作剧高手，是三个即调皮又可爱的角色。OogieBoogie，由虫子组成，很阴险的一个角色。The Vampire Brothers，吸血鬼兄弟，每个手里都拿着一把伞，披着斗篷。还有Igor- FinKlestein博士的助手，Hanging Tree-吊着骷髅的树，Clown-大门钥匙的掌管人，Corpse Kid-万圣节城里的小孩等等……其中
Behemoth这个角色是以瑞典籍摔跤运动员、B级片明星Tor Johnson为原型的。
新技术的应用为整部片子增色不少。《圣诞夜惊魂》中的模型是用机械骨架制造而成的。专门为角色量身定做的机械骨架，做出的动作即精确、流畅又不至于变形。配合着可以电脑操控的摄像机简直是天生的组合，逐帧拍摄的魅力被完美的诠释。
《圣诞夜惊魂》在细节的处理上堪称经典。为求真实，光是主角Jack的头部模型就有400多个。布景和人物细微的纹理依稀可见，细节使整部片子充满生活化，比如根据人物的不同性格设计的不同睡
帽、眼罩；道路上的叶子和随处可见的南瓜；Jack的家门设计-门铃是尖叫声，门铃按钮是蜘蛛，门把手是眼睛；博士的实验室；在圣诞节城时对雪的刻画等等。
因为是逐帧拍摄的动画片，《圣诞夜惊魂》的转场也充满了不同的魅力。比如，用蝙蝠、幽灵飞过转场。用礼物盒子转场：前一个镜头-圣诞节城的小精灵把可爱的礼物放入礼物盒，盖好盒盖，下一个镜头，盒盖打开，万圣节城的怪物把可怕的礼物放了进去，强烈的对比预示着Jack圣诞节计划的失败。
为了制作特效，《圣诞夜惊魂》也用到了一些二维动画，比如：墓碑上的影子、万圣节城里的幽灵、雾气、闪电、火、雪花等等。
音乐是《圣诞夜惊魂》的灵魂，画面配合着音乐演奏出完美的乐章，从嘴形到动作和音乐都配合的天衣无缝，节奏感十足。
《圣诞夜惊魂》的场景设计和整体的设计风格搭配和谐，恐怖怪异，不过无论整体多么黑暗，总还是会出现一两处十分明亮的场景，像圣诞节城，设计得色彩鲜艳、明亮。《圣诞夜惊魂》的场景是由不同的小块组合而成的一个大场景。这样即有利于拆卸进行小场景的拍摄，又好制作。
动作设计是《圣诞夜惊魂》的一大亮点，不同的人物造型都设计了各自不同的运动特征。Jack的动作像一只蜘蛛，Jack和OogieBoogie打斗的一场戏中，Jack就像蜘蛛一样躲避障碍最终获得胜利。Sally的动作像一个失去平衡的木偶，在Sally给Jack送酒的一段戏中，Sally失去平衡般走下台阶的动作让人记忆深刻。The
Mayor of Halloween Town的动作像不倒翁 。The Vampire Brother的动作很优雅。而OogieBoogie的动作像熊一样笨重。
《圣诞夜惊魂》的灯光设计也很精彩，片中用了大量的逆光来表现万圣节城，逆光是一种很不好把握的灯光效果，但Tim Burton却把它利用得很好，充分的表现了万圣节城的阴森和恐怖，和圣诞节城形成鲜明的对比。对比是一种矛盾的升华。能更好的表现戏剧化的效果。《圣诞夜惊魂》中用的最精彩的是在圣诞夜前夕，圣诞节城和万圣节城都在为圣诞节做着准备，强烈的颜色对比、音乐对比等手法都暗喻了Jack计划的失败。
《圣诞夜惊魂》的情节设计紧凑，歌舞和叙事部分衔接自然，用唱歌的形式体现人物内心活动是Tim Burton一贯的风格。《圣诞夜惊魂》很好的延续了这种风格。怪异的曲风贯穿全片。精彩至极。《圣诞夜惊魂》在镜头的运用上，呈现出经典恐怖片的氛围和幻想童话相结合的古怪风格，完美的演绎了Tim Burton对影片独特的构思。
《圣诞夜惊魂》一举奠定了Tim Burton世界一流影象美术设计大师的地位。由于他一贯坚持的黑色风格，以及叛逆的叙事主题，Tim Burton为自己赢得了“好莱坞鬼才”的名声和威尼斯电影节 “终身成就奖”， 49岁的Tim Burton是电影史上获得此奖项最年轻的得奖者。 《圣诞夜惊魂》是Tim Burton梦想的一部分。影片的最终成功使《圣诞夜惊魂》成为了世界动画史上的一个传奇，无论是在技术还是艺术领域，都反复地被人们所称赞。在《圣诞夜惊魂》中，黑色幽默的风格贯穿始终，惊悚与喜剧是它的生命与灵魂。电影至今依
然风靡全球。《圣诞夜惊魂》是Tim Burton最喜欢的作品之一，以至于他在威尼斯电影节获奖当晚，大会亦借放映这套《3D怪诞城之夜》向他的作品致敬，足见《圣诞夜惊魂》在Tim Burton心中的地位。
白雪公主的名字，地球人都知道。可是白雪公主与七个小矮人的故事，却不是每一个人都了解的，而我恰好属于不了解的那一群人。借着看AFI100系列的机会，看看这个经典的故事内容是如何的，以及它是如何通过电影演绎的。
电影的故事是这样的。从前，有一个美丽的公主，她叫白雪。她邪恶的皇后继母害怕白雪公主越长越漂亮，于是就让她每天干粗活、穿破衣服，并且每天问上魔镜一句“谁是世上最漂亮的女人”。虽然如此，可是白雪公主越来越漂亮，魔镜诚实的告诉了皇后，皇后因此决定派人杀死白雪公主。皇后派的人不忍心下手，饶了白雪公主一命，可是白雪公主却吓得逃进了树林里。在树林里，她与动物们成为了伙伴，并在它们的带领下找到了一座小屋。白雪公主发现屋子既脏又乱，决定帮忙收拾一下，希望能让屋子的主人收留自己。于是，白雪公主与动物们将屋子内收拾的一尘不染，并做好了晚饭，然后就累得睡着了。这时，屋子的主人回来了，原来他们是七个小矮人。小矮人们看到屋子里有人，以为是坏人，他们手忙脚乱般的行动起来，准备揭露“坏人”的真相。当小矮人们发现“坏人”是白雪公主时，就放下了戒心，并因为她会做饭，收留了她，即使有一个“爱生气”的小矮人不情愿。七个小矮人在白雪公主的要求下，洗手、晚餐后，又同她玩闹了一番，大家就纷纷休息了。同时，邪恶的皇后得知白雪公主还活着，决定自己亲自杀死她。她使用易容术让自己成为了一个长相丑陋的老太婆，并制作出一颗毒苹果。任何人只要吃上一口毒苹果，就会长眠不醒，只有“真爱之吻”才能唤醒她。第二天，七个小矮人工作去了，皇后来到小屋内，很轻松的就让白雪公主吃了毒苹果。虽然在动物们的指引下，七个小矮人回到了小屋，但他们还是回来晚了，白雪公主已经长眠不醒了。愤怒的七个小矮人追逐着皇后，将她逼下了悬崖而摔死。七个小矮人认为白雪公主死了，但他们并没有埋葬她，而是用水晶棺材将她装了起来。这时，一位与白雪公主有一面之缘，并且爱她的王子得知了消息，赶了过来。他用“真爱之吻”唤醒了白雪公主。醒后的白雪公主与七个小矮人告别后，从此幸福快乐的生活着。
这是一部非常完美的动画片。白雪公主与七个小矮人的故事以前我并不了解，而且我也很少看童话，但通过本片让我真正了解了童话的魅力。片中的人物塑造有着典型的童话特征：每天唱歌开开心心的公主，一心只求美丽的邪恶皇后，热心、善良的小动物们，以及那七个性格迥异但都很可爱的七个小矮人。这些人物每一个都被赋予了单一的性格特征，非常脸谱化，好人即好人，坏人即坏人。这样的人物塑造理解起来太轻松了，终于可以放下一颗沉重的心来看电影，再也不需要去猜测人物复杂多变的性格，以及背后赋予的隐藏个性了。此外，故事的情节也简单得不行，好人做好事，坏人做坏事。白雪公主唱歌、做家务、等待自己心爱的人，七个小矮人辛苦工作善待公主，邪恶的皇后则一心想要杀死白雪公主，如龙套一般的王子则是为了拯救公主适时出现，献出“真爱之吻”一枚。看完这样的情节，同样有一种如释重负的感觉，这么直白、简单的剧情，理解起来可比刚刚看过的《蝙蝠侠2：黑暗骑士》轻松多了。这就是童话的魅力，简单的人物、简单的剧情，展示出一个美好的世界。看完之后只有一种感觉：这是多么美满的故事，多么美好的爱情啊！
虽说剧情简单，但本片也是一部相当好看的好莱坞爱情大片。一部好莱坞爱情电影该有的元素一样也不少，有公主与王子的浪漫爱情，有七个小矮人初遇白雪公主时戏剧化的剧情，有皇后邪恶的阴谋，还有
正义终将战胜邪恶的结尾，和载歌载舞的音乐场景。当然，还有着全片最重要的点睛之笔——那浪漫的“真爱之吻”。本片将爱情的力量塑造成可以拯救人生命，这样的设定，在爱情电影里只出现过仅此一次吧。
本片完美之处还在于电影中那些眼花缭乱、笑点十足的画面。白雪公主与动物们的互动，包括打扫小屋的房间，以及七个小矮人之间各个性格迥异行为的塑造，都堪称动画片里的经典画面。难以想象在上个世纪三十年代编导们就能有如此丰富的想象力，设计出如小鸟拧干衣服、松鼠尾巴当扫帚等情节，以及那只笨拙的小乌龟各种笨笨的行为。这些奇思妙想即使在现代的动画片里也不多见。本片不仅以美国第一部动画长片屹立与影史，更是树立了后人难以超越的经典。
除了这些笑点十足的画面外，电影中画面的变化也通过剧情的转变而实时变化。在白雪公主出现的场景，总是阳光明媚、欢歌笑语。当邪恶的皇后出现时，画面立即转变为阴森恐怖的氛围，比如阴森的房间、恐怖的古堡等等。更用一些黑色的事物来增加这种气氛，如骷髅头、黑乌鸦、秃鹫等等。这样的表现方法是对剧情的一种补充，而且增添了电影的故事氛围，使观众、尤其是小观众更加容易理解剧情。这一点的使用促使本片更加完美。此外，这样的表现方式比起在同时代真人电影中的运用更加灵活，看来它已经走在了时代的前列。
最后来说说本片的歌曲。相对于现代动画片来说，本片的歌曲过于古典，有一种歌剧的感觉，尤其是男女主角在片中竟然运用起美声唱法。这样的风格，让本片的音乐落后于时代。不过，七个小矮人的一些歌曲还是很好听的，很有动感。总的来说，本片的音乐我是不喜欢的，毕竟年代太久远了。
说了这么多，总的来说，这是一部超越时代的经典动画片，任何年代看都给人带来愉悦的感觉，本片还能让成年观众找回丧失已久的童心。如果有人说这部动画片不好看，只能证明你的心已经死了，只是一具行尸走肉。
幽蓝深邃的海洋，橙红色的海葵宛如海底盛开的花朵，蓝色水底眼前远处游来过往的是色彩绚烂，美丽异常的海洋生物。一条绯红带着白色条纹的小丑鱼 (ClownFish)马林(Marlin)和蓝色的蓝唐王鱼(Regal Blue Tang)多瑞(Dory)穿越万里海域，去寻找马林失散的儿子尼莫(Nemo)。而我们在这个观影过程中的感受到的欣喜和明朗，绚烂和绮丽，温暖和感动，一直犹如电影中临近悉尼海湾的潜流，快乐地被瞬间卷入，那样身不由己。
电影看得多了，在他人的故事里想自己的心情，动作、言情、历史、喜剧、魔幻、惊悚，很多时候有瞬间的触动回首，很快又回归生命琐碎的状态。在这个时代，制作让大多数人喜乐无限的电影并非一件易事。而皮克斯出品的每一部影片，至少对于我而言，都好象触动了人心最柔软的一个部分，缤纷的色彩下蕴藏最原始宽广的内核。看《海底总动员》，不需要准备任何东西，让这片蔚蓝的海洋濯洗我们发现童真的双眼，带着一颗晶亮的童心上路。
每一次皮克斯推出新的动画电影，都是动画电影业界的一件大事。很多影评人都会不自觉的把新片与皮克斯以往的影片相比较(累计有《玩具总动员1、2》、《虫虫危机》和《怪物公司》)，而皮克斯在制作上始终如一的精良水准，使得它成为三维动画影片的新标杆。《海底总动员》没有上映之前，有不少影评人对这个不算新颖的万里寻亲的主题能否达到以往4部动画片的成就有所质疑。实际上这样的担心是没有必要的，随着海洋蓝色伸展的旅程中，影片里仿佛要溢出银幕外的彩虹般绚丽的色彩、栩栩如生的游弋海中的每一个细小美丽的生命，都是皮克斯利用最先进的CG技术呈现给孩子们的一个无垠的想象空间和温馨的心灵家园。看看皮克斯以往的作品，在主题和构思上并不以新奇花巧见长，不管是《玩具总动员1、 2》和《怪物公司》的两重世界，还是《虫虫危机》的动物寓言，其实传承都是迪斯尼永恒的真善美主题。
《海底总动员》在主题上是一个关于爱和友谊，勇气和成长，自由和选择的故事，结构上采用的也是常见的双线并行的方式：一边是父亲马林的万里寻亲，一边是儿子尼莫的成长；但是皮克斯把这个故事注入了想象力之魂，那些天马行空般牵引人们想象力在无垠水域里飞舞的画面，使得我们这样的成年观众也在孩子们欢乐的笑声中擦亮了童心，由衷的沉浸在完美的画面和真挚的人性主题水乳交融的和谐之中。
没有机会在影院里看到片中无数个斑斓夺目的画面，将会是一个极大的损失。我只想对本片的编导，皮克斯的灵魂人物之一，安德鲁·斯坦顿表达极大的尊敬，因为他真正了解孩子们想要看什么(另外忍不住八卦一下，如果有幸看到原版电影，会发现里面那个温和的大海龟正是这位导演配音的，从里面不难听出他本人也是个充满童心的人，当然这个只是胡乱猜测)。选择海洋作为故事的背景，既表现出皮克斯极端的自信，也使得影片拓宽了角色和影像的空间。海洋提供了更为丰富的素材，使得皮克斯进一步挑战他们的创造和制作极限：海洋中不计其数的生物，灿烂丰富的色彩，千姿百态的生命，这些曾经无数次出现在孩子们幻想中的世界，如今都一一呈现在了银幕上，不能不说是皮克斯送给孩子们的最佳暑期礼物。
由于精心设计的数十种形态各异的海洋生物和大海天然的色彩优势，影片中漂亮得让人窒息的画面层出不穷：晶蓝海洋中满是红色鱼卵的小丑鱼的家，柔软的海葵触角犹如花瓣一样在海水中轻轻舞动，海洋学校明丽的色彩，整个海洋都暗下来的时候马林和多瑞凝望着那一枚散发星月光辉的椭圆形亮球，海流中浩大的海龟群，色彩的变化多姿让词汇匮乏的我无法做出最贴切的形容。整部片中我认为最能集中体现影画上的瑰丽奇观的，是马林和多瑞陷入水母群，数十个半透明粉红色的水母飘浮在海洋之中，那种视觉上的愉悦感，即使是成年观众也好似在经历一场梦幻般的体验。
另外细节上的精益求精向来是皮克斯的典型风格，物理仿真技术带来的质体的真实感惊人，比如马林和多瑞被从海洋里抛到岸边，鱼体的皮肤在水渐渐干涸后呈现了不同的质感，又比如若你仔细留意，会发现海水的清澈和颜色，在不同的地域也有微小的差异。所以看完了这部电影，美国影评人纷纷感叹，不知道动画CG领域有什么是皮克斯想做而做不到的。甚至有一位影评人调侃的说，我目前最迫切想要实现的愿望，就是皮克斯在以后的25年之内，不要解雇或者新增任何员工。言外之意，目前这个皮克斯团队，奉献的正是纯正的梦想中的动画影片，实现了我们能够想象到的所有元素。
这种赞誉，并不仅仅针对完美的技术和画面，故事和画面向来是宛如左右手密不可分。影片的主干实际是一个父子间的故事，其中并没有真正的英雄，父子在各自对对方的思念和找寻中渐渐让爱战胜了恐惧和怯懦，心理层次上的细腻但并不深奥的展开，使得各个角色有了各自的光彩。编导在角色上的考虑和设置显然有自己独特的用心，小丑鱼父亲马林因为经历了鲨鱼吞噬所有其他孩子和母亲的劫难而对唯一存活的儿子尼莫看管得愈加小心谨慎，他整日胆战心惊甚至失去了小丑鱼著名的幽默感，心灵上是不自由的；儿子尼莫被悉尼海湾一个凶恶的牙医抓走，失去了宽广海洋里自由呼吸的空气；与马林偶然相遇的雌性蓝唐王鱼多瑞是一条健忘的鱼，往往后一分钟就忘记了前一分钟听到的名字，说过的话，精神上因为遗忘无法得到完全的自由。但是他们在影片的末尾，经历了找寻的整个过程后，那些在不同程度上失落的自由，都在纯净的大海中被一点一滴的拾起。相信每一个观众在听到多瑞对马林说 “我知道我总是忘记事情和认识的人，但是面对你，我觉得找到了家”的时候，没有人觉得煽情，相反我们得偿所愿的对着银幕流下百感交集的眼泪。
提到故事的温暖动人，角色的光彩功不可没。健忘的鱼多瑞是影片最为成功的一个形象，如果在看片的时候不能听到原声配音，绝对无法体会这个角色的鲜活灵动。提到这个为多瑞配音的艾伦·德杰尼勒斯(Ellen DeGeneres)，虽不是人们在电影中常见的熟面孔，却也是好莱坞的风头人物，有自己的脱口秀节目，曾经是安妮·海契(《六天七夜》女主角)的同性恋人。虽然没有看过她演的电影，但是在这部电影里多瑞的声音表现，可以充分感到她对声音的出色控制，对于多瑞精神上的迷糊和性格上的大度，有异常准确
的把握，尤其和鲸鱼打招呼和结尾处对于马林流露友情的对白，表演声情并茂。如果内地真的打算引进这部影片，我只能为担任这一角色配音的演员表达有限的期许。
《海底总动员》是一部值得看第二次的电影，我们在片中发现的精彩细节使得再次品味影片有了必要。对于吸引孩子的动画影片，提供埋伏在电影各处的令人惊喜的细节，就好比孩子们在后花园不停发现的小小宝藏，闪烁着编导创造力的火花。那条深埋海底叫做“阴沉的美人鱼”的沉船，讲法语的蜗牛，声称受不了水的鱼，嘲笑马林的排成不同形状的银色鱼群，插在船帆上的海鸥黄色的喙，在下水管道上来回打架的螃蟹，操着澳大利亚口音的海鸥和鹈鹕，此类妙趣横生的小幽默比比皆是，无不体现编导在细节上的用心。