原研哉简介
原研哉[1]（Kenyahara，1958- ），日本中生代国际级平面设计大师、日本设计中心的代表、武藏野美术大学教授，无印良品（MUJI）艺术总监。设计领域泛于长野冬季奥运开、闭幕式节的节目纪念册和2005年爱知县万国博览会的文宣设计中，展现了深植日本文化的设计理念。在银座松屋百货更新设计中，横跨空间到平面实践整体设计的方向。在梅田医院指示标志设计画中，则表现出触觉在视觉传达中的可能性。
原研哉的设计视野
他以一双无视外部世界飞速发展变化的眼睛面对“日常生活”，以谦虚但同时尖锐的目光寻找其设计被需要的所在，并将自己精确地安置在他的意图能够被赋予生命的地方。当我们的日常生活正在越来越陷入自身窠臼之时，他敏锐地感知到了设计的征候和迹象，并且自觉自主地挑战其中的未知领域。他的设计作品显现出来的不落陈规的清新，在于他找到了设计被需求的空间并在其中进行设计。在这样的态度下，他拓展了设计的视野和范畴，在他所经历之处，崭新的地平线不停地被发现和拓展。 原研哉在做的，是在修正现存的设计概念，将设计推向一个更高的层次。原研哉的过人之处，是在于他精准的洞察力，他往往能够透彻地消化身边环境带来的讯息，再将这些无形的讯息转化为大众所能明白的、看得见的影像，
这一种能力不是一般的设计师所拥有的。
原研哉的观点
原研哉说：我是一个设计师，可是设计师不代表是一个很会设计的人，而是一个抱持设计概念来过生活的人、活下去的人。就似是一个园子里收拾整理的园丁一样， 我每天都在设计园子里做设计的果实，所以不论是设计一件好的产品、或是整理设计的概念、思考设计的本质、抑或以写作去传播设计理论，都是一个设计师必须要 做的工作。 我们在强调团队的使命及共性的时候，团队个体的使命及思考应该得到充分的尊重和鼓励。 做设计不应该只看短期反应，而着眼于长远的教育性理想：若每一个设计师都有这一种追求，市场的品味、对设计的感受性就会不断地提升，社会了解设计意义的所在，设计师才会有更大的发挥。这是一个相互影响的良性循环。 世界化的设计，在原研哉心目中，是不存在的、是不合逻辑的：“日本的设计就永远是日本的设计。就以MUJI为例，永远都不会由一个日本品牌变成世界品牌。 总共6000多个项目的MUJI，都是由当地拥有共通语言的设计师，以当地人的生活模式及习惯为基础而完成的设计。作为一个有悠久设计历史的国家，我们并 不热衷于成为全球化的一分子，过分单纯化的普及是我们必须努力避免的。
他在他的著作《设计中的设计》中曾说“将已知事物陌生化，更是一种创造”，就像一个杯子是用来盛水的，追逐它的本源目的，才不会被现行的构造和趋势所禁锢，只要你设计的物品可以盛水就可称为杯子，这样你的思维才会更加活跃。他所推崇的就是RE-DESIGN。“RE-DESIGN”这个词的意义，简单地说就是“重新设计”，就是重新面对自己身边的日常生活事物，从这些为我们所熟知的日常生活中寻求现代设计的真谛，给日常生活用品赋予新的生命是我真正感兴趣的课题。对我来说，从“无”开始固然是一种创造，而把熟知的日常生活变得陌生则更加是一种创造，而且更具挑战性。“RE-DE－SIGN”这个词，也包含了把社会中人们共有的、熟知的事物进行再认识的意义。也就是说，在“日用品”这个题目的设定中，不去追求那些奇异的事物，而是从人们所“共有”的物品中来提取价值，用最自然、最合适的方法来重新审视“设计”这个概念。
原研哉的设计领域
原研哉工作室业务范围包括有海报、包装、推广项目与活动计划等整体设计工作。伊势丹、味之素、竹尾花纸、米其林车胎、华高莱内衣与历家威士忌酒等，都是他的客户。 他认为自己是位传达设计师，他包装设计不只关心促销功能，而重点在如何以适当的信息，使消费者了解产品的特质。
原研哉设计经历
於1998年长野冬季奥运的开、闭幕式手册与2005年爱知万国博览会的宣传案中，展现起源自日本传统文化的设计理念。 2000年，担任「RE-DESIGN（21世纪日常用品再设计）」策展人。 以「只保留机能，不保留形体，探索设计的本质」为诉求，获得极大的好评与回响。不但受邀世界巡展，部分设计亦被收入为日本高中美术教材，成为重要的教育资产。 2004年，担任「HAPTIC（使触觉愉悦）」策展人。 旨在让「感官」重新被发现，设计师应先不要急著画草图，而是先想想使用者的「感受」。他表示：「现代科技愈便利後，感官就愈退化。现在的我们可能已经不太会写字，不会计算，不会削苹果，连封信也写不出来……我希望设计能帮助人寻回感官的记忆。」 2001年至今，担任无印良品设计总监。 带领MUJI发展出“这样很好”、“MUJI＝虚无的容器(Emptiness)”，以及“人不一定要追求名牌，而是自己所要的生活方式，回归单纯、自然”的品牌形象。
主要著作
《为什麼设计。原研哉与阿部雅世的对话》《原研哉的设计》《设计中的设计DESIGN OF DESIGN》《RE DESIGN 日常的21世纪》
原研哉:在寂静中寻找存在与设计本质
每一次出差或旅行，日本设计师原研哉(KenyaHara)乐于乘坐最早的航班出发，他说：“喜欢一个城市„醒来‟之前的状态。”
灰白头发，深浅不一的黑色衬衫和西服层叠出纯净温和的丰富色调——这是原研哉给人的印象——平静温和。这种印象，一如他所强调的设计概念，至纯至静，而张力十足。
原研哉热爱旅行，聊起旅行的话题，他的谈兴渐浓：“我最喜欢出发时从家到机场这段路程。旅行最有意思之处就是，你并不清楚那个地方会给你带来什么新鲜与刺激”，原研哉说，设计师的最大功能是发现。而旅行未必要到什么著名的观光点，即使只是坐在小摊上吃一顿饭，也可能发现店家的碗为什么是这样的，为什么北京的大屋顶的角是微微倾斜的，而日本的屋顶都是垂直的。原研哉说，日常事物往往是设计灵感的来源。他在旅行中总是带着一种比较的心理，透过外界，更深地认识自身。
无时无刻不在观察世界和生活的细微变化，但与我们不同的是，在面对各种变化的时候，原研哉喜欢把所有复杂的、繁乱的、色彩缤纷的东西划归到一个经久不变的原初形态来重新审视——这一点从他热衷搜集的旅地物品便可见一斑。原研哉说，自己的家里辟出很小的角落，放置旅地纪念物，“未必是那些标识性的物品，但要有本地生活的印记，譬如筷子譬如碗碟等等”。
因为设计要尽可能地显现事物中那些不易察觉的形状与气质，白色便是原研哉设计中运用最广泛的颜色，第一次从白色中获得启示是大学时代，当时他造访一座孤悬海外的小岛，发现岛上的教堂、人们家里的墙壁都是纯净的白色，在染上尘埃之后，人们从不去擦 拭，而是喷上白色的漆，保有一份无暇。面对纯白本真的世界，原研哉被深深地打动了，他站在小岛上，想象时间的奔涌而来又转瞬即逝的存在感。在原研哉看来，“留白”并不只是作为功能的一部分而存在，白色本身就是一种至美。
“设计是什么？”这是原研哉长时间追问的命题，他曾提出“日常设计”的理念，带动了设计关注“日常”的走向，“创意可以来自看似平凡的生活，怎样在我们自己的日常生活中去发现和提取一些意识，并把这种意识融入到设计当中去，让它形成一个体系、一个线索，最终把它落地，这是很重要的一件事情。”原研哉温和地笑着说。
基于“日常设计”的理念，原研哉曾策划组织过一个题为“再设计：21世纪日常用品”的展览，邀请32名日本设计师，让他们回到原点，重新审视自己生活周遭的设计，以最平易近人的方式来探讨设计的本质和内涵。而这些“再设计”的物件包括卫生纸、火柴、茶包等等，素材很质朴，设计出来的作品却令人惊叹。原研哉强调：“在21世纪的平面设计领域，并不只是做一个好看的型、好看的颜色而已，而是你怎样以平面设计作为一个手段去调动人的能动性，这是一个很重要的环节。”
设计的终点在“家”
第一财经日报：在你看来，设计师在建立设计与社会的关系过程中，应当考虑哪些原则？
原研哉：设计的终结点在“家”。作为设计师，你首先要考虑你的设计是要摆在家里，还是要放在展厅里？是否适宜摆在家里、在家里的状态是什么样的？设计的妙趣在于将日常熟悉的事物陌生化，产生视觉和观点上的新鲜感，而这个感觉一定是回到日常生活的，摒弃了展厅里的“表演感”、“展示感”的，与生活有机融合的。
日报：有人认为日本的设计重在提供观察事物的新的角度，而中国的设计重在赋予事物形状和颜色。你如何看待这两种不同的设计出发点？
原研哉：对比两国的设计，一定要明白：日本是经过了两次经济的高速发展和两次“泡沫”之后，经历了关注“形”和“色”的阶段，所以现在大家提倡“普通”是好的。中国的经济正在高速发展，有了钱之后，大家首先去关注的当然不会是“普通”，而是关注豪华的、特异的、与众不同的，这时候强调关注“普通”可能还不到时候。
日报：你曾提出一个“消解个性”的设计理念，而一般从事设计的人总是极尽所能地张扬个性，你如何理解设计中的“个性”？
原研哉：“个性”在21世纪已经不是最重要的了，在上一个世纪，个性可能是重要的，但现在比个性更重要的是想法——对社会的洞察、对事物认识的程度和认识的精度。如果只是一个单纯的想法，可以强调个人，但设计最重要的是，怎么样让想法融入社会中去。我做过很多大奖赛的评委，在评审的过程中，我发现，某位设计师可以依靠某一点突出的个性创作出作品，但其实把各种各样的个性罗列在一起的时候，那点个性就不是最强的。相反，如果一个人对社会的理解和洞察转化为想法，设计更能展现出来。因此，在今天，一个能够转化成视觉形象的想法比个性来得重要。
原研哉简介
原研哉[1]（Kenyahara，1958- ），日本中生代国际级平面设计大师、日本设计中心的代表、武藏野美术大学教授，无印良品（MUJI）艺术总监。设计领域泛于长野冬季奥运开、闭幕式节的节目纪念册和2005年爱知县万国博览会的文宣设计中，展现了深植日本文化的设计理念。在银座松屋百货更新设计中，横跨空间到平面实践整体设计的方向。在梅田医院指示标志设计画中，则表现出触觉在视觉传达中的可能性。
原研哉的设计视野
他以一双无视外部世界飞速发展变化的眼睛面对“日常生活”，以谦虚但同时尖锐的目光寻找其设计被需要的所在，并将自己精确地安置在他的意图能够被赋予生命的地方。当我们的日常生活正在越来越陷入自身窠臼之时，他敏锐地感知到了设计的征候和迹象，并且自觉自主地挑战其中的未知领域。他的设计作品显现出来的不落陈规的清新，在于他找到了设计被需求的空间并在其中进行设计。在这样的态度下，他拓展了设计的视野和范畴，在他所经历之处，崭新的地平线不停地被发现和拓展。 原研哉在做的，是在修正现存的设计概念，将设计推向一个更高的层次。原研哉的过人之处，是在于他精准的洞察力，他往往能够透彻地消化身边环境带来的讯息，再将这些无形的讯息转化为大众所能明白的、看得见的影像，
这一种能力不是一般的设计师所拥有的。
原研哉的观点
原研哉说：我是一个设计师，可是设计师不代表是一个很会设计的人，而是一个抱持设计概念来过生活的人、活下去的人。就似是一个园子里收拾整理的园丁一样， 我每天都在设计园子里做设计的果实，所以不论是设计一件好的产品、或是整理设计的概念、思考设计的本质、抑或以写作去传播设计理论，都是一个设计师必须要 做的工作。 我们在强调团队的使命及共性的时候，团队个体的使命及思考应该得到充分的尊重和鼓励。 做设计不应该只看短期反应，而着眼于长远的教育性理想：若每一个设计师都有这一种追求，市场的品味、对设计的感受性就会不断地提升，社会了解设计意义的所在，设计师才会有更大的发挥。这是一个相互影响的良性循环。 世界化的设计，在原研哉心目中，是不存在的、是不合逻辑的：“日本的设计就永远是日本的设计。就以MUJI为例，永远都不会由一个日本品牌变成世界品牌。 总共6000多个项目的MUJI，都是由当地拥有共通语言的设计师，以当地人的生活模式及习惯为基础而完成的设计。作为一个有悠久设计历史的国家，我们并 不热衷于成为全球化的一分子，过分单纯化的普及是我们必须努力避免的。
他在他的著作《设计中的设计》中曾说“将已知事物陌生化，更是一种创造”，就像一个杯子是用来盛水的，追逐它的本源目的，才不会被现行的构造和趋势所禁锢，只要你设计的物品可以盛水就可称为杯子，这样你的思维才会更加活跃。他所推崇的就是RE-DESIGN。“RE-DESIGN”这个词的意义，简单地说就是“重新设计”，就是重新面对自己身边的日常生活事物，从这些为我们所熟知的日常生活中寻求现代设计的真谛，给日常生活用品赋予新的生命是我真正感兴趣的课题。对我来说，从“无”开始固然是一种创造，而把熟知的日常生活变得陌生则更加是一种创造，而且更具挑战性。“RE-DE－SIGN”这个词，也包含了把社会中人们共有的、熟知的事物进行再认识的意义。也就是说，在“日用品”这个题目的设定中，不去追求那些奇异的事物，而是从人们所“共有”的物品中来提取价值，用最自然、最合适的方法来重新审视“设计”这个概念。
原研哉的设计领域
原研哉工作室业务范围包括有海报、包装、推广项目与活动计划等整体设计工作。伊势丹、味之素、竹尾花纸、米其林车胎、华高莱内衣与历家威士忌酒等，都是他的客户。 他认为自己是位传达设计师，他包装设计不只关心促销功能，而重点在如何以适当的信息，使消费者了解产品的特质。
原研哉设计经历
於1998年长野冬季奥运的开、闭幕式手册与2005年爱知万国博览会的宣传案中，展现起源自日本传统文化的设计理念。 2000年，担任「RE-DESIGN（21世纪日常用品再设计）」策展人。 以「只保留机能，不保留形体，探索设计的本质」为诉求，获得极大的好评与回响。不但受邀世界巡展，部分设计亦被收入为日本高中美术教材，成为重要的教育资产。 2004年，担任「HAPTIC（使触觉愉悦）」策展人。 旨在让「感官」重新被发现，设计师应先不要急著画草图，而是先想想使用者的「感受」。他表示：「现代科技愈便利後，感官就愈退化。现在的我们可能已经不太会写字，不会计算，不会削苹果，连封信也写不出来……我希望设计能帮助人寻回感官的记忆。」 2001年至今，担任无印良品设计总监。 带领MUJI发展出“这样很好”、“MUJI＝虚无的容器(Emptiness)”，以及“人不一定要追求名牌，而是自己所要的生活方式，回归单纯、自然”的品牌形象。
主要著作
《为什麼设计。原研哉与阿部雅世的对话》《原研哉的设计》《设计中的设计DESIGN OF DESIGN》《RE DESIGN 日常的21世纪》
原研哉:在寂静中寻找存在与设计本质
每一次出差或旅行，日本设计师原研哉(KenyaHara)乐于乘坐最早的航班出发，他说：“喜欢一个城市„醒来‟之前的状态。”
灰白头发，深浅不一的黑色衬衫和西服层叠出纯净温和的丰富色调——这是原研哉给人的印象——平静温和。这种印象，一如他所强调的设计概念，至纯至静，而张力十足。
原研哉热爱旅行，聊起旅行的话题，他的谈兴渐浓：“我最喜欢出发时从家到机场这段路程。旅行最有意思之处就是，你并不清楚那个地方会给你带来什么新鲜与刺激”，原研哉说，设计师的最大功能是发现。而旅行未必要到什么著名的观光点，即使只是坐在小摊上吃一顿饭，也可能发现店家的碗为什么是这样的，为什么北京的大屋顶的角是微微倾斜的，而日本的屋顶都是垂直的。原研哉说，日常事物往往是设计灵感的来源。他在旅行中总是带着一种比较的心理，透过外界，更深地认识自身。
无时无刻不在观察世界和生活的细微变化，但与我们不同的是，在面对各种变化的时候，原研哉喜欢把所有复杂的、繁乱的、色彩缤纷的东西划归到一个经久不变的原初形态来重新审视——这一点从他热衷搜集的旅地物品便可见一斑。原研哉说，自己的家里辟出很小的角落，放置旅地纪念物，“未必是那些标识性的物品，但要有本地生活的印记，譬如筷子譬如碗碟等等”。
因为设计要尽可能地显现事物中那些不易察觉的形状与气质，白色便是原研哉设计中运用最广泛的颜色，第一次从白色中获得启示是大学时代，当时他造访一座孤悬海外的小岛，发现岛上的教堂、人们家里的墙壁都是纯净的白色，在染上尘埃之后，人们从不去擦 拭，而是喷上白色的漆，保有一份无暇。面对纯白本真的世界，原研哉被深深地打动了，他站在小岛上，想象时间的奔涌而来又转瞬即逝的存在感。在原研哉看来，“留白”并不只是作为功能的一部分而存在，白色本身就是一种至美。
“设计是什么？”这是原研哉长时间追问的命题，他曾提出“日常设计”的理念，带动了设计关注“日常”的走向，“创意可以来自看似平凡的生活，怎样在我们自己的日常生活中去发现和提取一些意识，并把这种意识融入到设计当中去，让它形成一个体系、一个线索，最终把它落地，这是很重要的一件事情。”原研哉温和地笑着说。
基于“日常设计”的理念，原研哉曾策划组织过一个题为“再设计：21世纪日常用品”的展览，邀请32名日本设计师，让他们回到原点，重新审视自己生活周遭的设计，以最平易近人的方式来探讨设计的本质和内涵。而这些“再设计”的物件包括卫生纸、火柴、茶包等等，素材很质朴，设计出来的作品却令人惊叹。原研哉强调：“在21世纪的平面设计领域，并不只是做一个好看的型、好看的颜色而已，而是你怎样以平面设计作为一个手段去调动人的能动性，这是一个很重要的环节。”
设计的终点在“家”
第一财经日报：在你看来，设计师在建立设计与社会的关系过程中，应当考虑哪些原则？
原研哉：设计的终结点在“家”。作为设计师，你首先要考虑你的设计是要摆在家里，还是要放在展厅里？是否适宜摆在家里、在家里的状态是什么样的？设计的妙趣在于将日常熟悉的事物陌生化，产生视觉和观点上的新鲜感，而这个感觉一定是回到日常生活的，摒弃了展厅里的“表演感”、“展示感”的，与生活有机融合的。
日报：有人认为日本的设计重在提供观察事物的新的角度，而中国的设计重在赋予事物形状和颜色。你如何看待这两种不同的设计出发点？
原研哉：对比两国的设计，一定要明白：日本是经过了两次经济的高速发展和两次“泡沫”之后，经历了关注“形”和“色”的阶段，所以现在大家提倡“普通”是好的。中国的经济正在高速发展，有了钱之后，大家首先去关注的当然不会是“普通”，而是关注豪华的、特异的、与众不同的，这时候强调关注“普通”可能还不到时候。
日报：你曾提出一个“消解个性”的设计理念，而一般从事设计的人总是极尽所能地张扬个性，你如何理解设计中的“个性”？
原研哉：“个性”在21世纪已经不是最重要的了，在上一个世纪，个性可能是重要的，但现在比个性更重要的是想法——对社会的洞察、对事物认识的程度和认识的精度。如果只是一个单纯的想法，可以强调个人，但设计最重要的是，怎么样让想法融入社会中去。我做过很多大奖赛的评委，在评审的过程中，我发现，某位设计师可以依靠某一点突出的个性创作出作品，但其实把各种各样的个性罗列在一起的时候，那点个性就不是最强的。相反，如果一个人对社会的理解和洞察转化为想法，设计更能展现出来。因此，在今天，一个能够转化成视觉形象的想法比个性来得重要。